account_circle
เช็คอินที่อาณาจักร City of Dream Macau บอกเลยว่าชิลได้ทั้งวันแบบไม่ออกไปไหน ทั้งกิน เที่ยว ช้อปปิ้ง ชมการแสดง House of Dancing Water จบในทีเดียว หรือถ้าอยากชมศิลปะอันหลากหลาก ง่ายมากเพียงเดินไม่กี่ก้าว มุ่งตรงไปที่ Morpheus Hotel เดินเล่นชิลๆ ถ่ายรูปสวยทุกมุม คอนเฟิร์ม
Morpheus Hotel Lobby
ล็อบบี้ของโรงแรมมอร์เฟียส (Morpheus Hotel) โรงแรมแห่งนี้ได้รับการออกแบบโดยสถาปนิกหญิงผู้ล่วงลับที่มีชื่อเสียงระดับตำนาน ดาม ซาฮา ฮาดิด (Dame Zaha Hadid DBE) ซึ่งเป็นผู้หญิงคนแรกที่ได้รับรางวัล Pritzker Architecture Prize อันทรงเกียรติ มอร์เฟียสเป็นผลงานชิ้นเอกที่ได้รับแรงบันดาลใจจากโบราณวัตถุหยก โดยเป็นอาคารสูงแห่งแรกของโลกที่ใช้โครงสร้างภายนอกแบบอิสระ (Free-form Exoskeleton-bound) และรวมเทคโนโลยีและนวัตกรรมด้านสถาปัตยกรรมล้ำสมัยไว้มากมาย โรงแรมมอร์เฟียสเปรียบได้กับงานศิลปะชิ้นหนึ่ง และได้รับรางวัลด้านการออกแบบมากมายตั้งแต่เปิดตัว รวมถึงรางวัล “Prix Versailles” – รางวัลสถาปัตยกรรมและการออกแบบระดับโลกจากยูเนสโก (UNESCO)
โรงแรมมีห้องพัก ห้องสวีท และวิลล่ารวมประมาณ 770 ห้อง โดยรวมถึงพูลวิลล่าหรูระดับอัลตร้าลักซ์ชัวรี่ 3 หลัง และดูเพล็กซ์วิลล่า 6 หลัง ออกแบบโดยนักออกแบบภายในระดับโลก ปีเตอร์ เรเมดิโอส (Peter Remedios)
เอเทรียม (Atrium)
ล็อบบี้กลางของโรงแรมสูง 35 เมตร โดดเด่นด้วยสถาปัตยกรรมรูปทรงอิสระและผนังกระจกใสที่ให้ความรู้สึกโปร่งโล่งสบาย บริเวณนี้คือ Morpheus Lounge ของเรา
หอคอยคู่ (Two Towers)
โรงแรมมอร์เฟียสมีหอคอยสองฝั่ง เชื่อมกันด้วยลิฟต์พาโนรามาความเร็วสูง 12 ตัว และสะพานเชื่อมระหว่างอาคาร 2 จุด ได้แก่ ชั้น 21 และชั้น 30 ซึ่งเป็นที่ตั้งของห้องอาหารสำคัญของโรงแรม
- ชั้น 21: ร้าน Yi ร้านอาหารจีนไฟน์ไดน์นิ่งสมัยใหม่ของมาเก๊า ที่ได้รับรางวัล Black Pearl หนึ่งเพชร
- ชั้น 30: The Morpheus Executive Lounge เลานจ์สุดหรูที่ให้บริการแบบใกล้ชิดแก่แขกผู้เข้าพักในห้องสวีทและวิลล่า
โรงแรมยังเป็นที่ตั้งของร้าน Alain Ducasse at Morpheus ซึ่งได้รับรางวัลมิชลิน 2 ดาว และ Black Pearl 2 เพชร ล่าสุดยังได้จัดงาน “An Exclusive Evening with Legendary Chef Alain Ducasse” และร้าน L’attitude ก็เพิ่งกลับมาเปิดให้บริการอีกครั้งเมื่อเดือนที่แล้ว
- Good Intension
ผลงานของ KAWS งานประติมากรรมชิ้นนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากวัฒนธรรมสมัยนิยม รูปปั้น “COMPANION” ที่ดูเหมือนของเล่นแต่มีขนาดใหญ่กว่าคนจริง ซึ่งผสมผสานองค์ประกอบของมิกกี้เมาส์ ตัวตลก และกะโหลกศีรษะเข้าด้วยกัน เป็นการตั้งคำถามใหม่ต่อแนวคิดเรื่องความคิดถึงอดีต (nostalgia) โดยมีรายละเอียดที่ COMPANION ขนาดเล็กกำลังกอดขาของตัวใหญ่ ทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงความเห็นอกเห็นใจ และสะท้อนถึงความสัมพันธ์ของมนุษย์ โดยเฉพาะระหว่างพ่อแม่กับลูก
เกี่ยวกับ KAWS
KAWS (ชาวอเมริกัน เกิดปี 1974) เป็นนักออกแบบของเล่นและเสื้อผ้ารุ่นลิมิเต็ดที่มีชื่อเสียง เขาเกิดในเมืองเจอร์ซีย์ซิตี รัฐนิวเจอร์ซีย์ ภายใต้ชื่อจริงว่า ไบรอัน ดอนเนลลี (Brian Donnelly) ในช่วงที่เติบโตในรัฐนิวเจอร์ซีย์ เขาเริ่มสนใจงานกราฟฟิตีตั้งแต่เรียนประถม โดยมักลอกภาพกราฟฟิตีลงบนกระดาษอยู่บ่อยครั้ง เส้นทางอาชีพของเขาเริ่มต้นจากการเป็นศิลปินกราฟฟิตีในนิวยอร์กช่วงต้นทศวรรษ 1990 ผลงานของเขาปรากฏตามป้ายโฆษณา ป้ายรถเมล์ และตู้โทรศัพท์ เขาสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีด้านศิลปกรรม (BFA) จาก School of Visual Arts ในนิวยอร์ก หลังจากเรียนจบในปี 1996 KAWS ก็เริ่มทำงานเป็นฟรีแลนซ์ให้ดิสนีย์ โดยสร้างฉากหลังสำหรับแอนิเมชัน
เมื่อ KAWS เริ่มเป็นที่รู้จักมากขึ้น งานกราฟฟิตีโฆษณาของเขาก็กลายเป็นของที่มีผู้ต้องการสะสมจำนวนมาก เขาเดินทางไปทำงานในปารีส ลอนดอน เยอรมนี และญี่ปุ่น ในปี 1998 เขาได้รับรางวัล Pernod Liquid Art Award ซึ่งเป็นทุนสนับสนุนสำหรับศิลปินหน้าใหม่ ช่วงปลายทศวรรษ 1990 เขาเริ่มออกแบบและผลิตของเล่นรุ่นลิมิเต็ด ซึ่งได้รับความนิยมอย่างแพร่หลาย
โดยเฉพาะในญี่ปุ่น เขายังได้ร่วมมือในการสร้างของเล่นกับแบรนด์และตัวละครต่างๆ ที่มีชื่อเสียง เช่น การออกแบบใหม่ของมิกกี้เมาส์ มิเชลินแมน และสพันจ์บ็อบ สแควร์แพนท์ส
- Doodle COD
ประติมากรรมขนาดใหญ่สูง 3 เมตร กว้าง 1.5 เมตรชิ้นนี้ ถูกสร้างขึ้นแบบสดๆ โดยศิลปินชาวอังกฤษชื่อดัง Mr Doodle ระหว่างการมาเยือนมาเก๊าเพื่อจัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของเขาในชื่อ “Mr Doodle First Exhibition in Macao” ตัวประติมากรรมที่เคยเป็นสีขาวล้วนนี้ ได้รับการเติมแต่งด้วยลายเส้นวาดเล่น (doodle) อันคึกคักและเต็มไปด้วยความเป็นไปได้ไร้ขีดจำกัดโดยฝีมือของเขา
กระบวนการสร้างสรรค์ของ Mr Doodle ดูเหมือนจะเรียบง่าย – ใช้เส้นหนาสีดำบนพื้นหลังสีขาว – แต่มีเอกลักษณ์ชัดเจนด้วยความซับซ้อนและความแน่นของตัวละครมากมายที่แทรกอยู่ในผลงาน ด้วยความตั้งใจอย่างลึกซึ้ง เขาใช้ทุกเส้นวาดเพื่อสื่อสารภาษาดูเดิลที่เป็นสากล หวังจะเชื่อมโยงผู้คนทั่วโลกเข้าด้วยกัน
ประติมากรรมเชิงสัญลักษณ์นี้เปี่ยมด้วยพลังแห่งความสุขในแบบฉบับของ Mr Doodle และเป็นดั่งบทกวีทางศิลปะที่มอบให้แก่ผู้ร่วมจัดนิทรรศการอย่าง Melco Resorts & Entertainment ด้วยความจริงใจ
เกี่ยวกับ Mr Doodle
Mr Doodle หรือชื่อจริงว่า แซม ค็อกซ์ (Sam Cox) เกิดในประเทศอังกฤษ เป็นศิลปินระดับตำนานผู้มีชื่อเสียงในฐานะหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยที่ได้รับการยกย่องมากที่สุดในยุคนี้ ผลงานของเขาถูกจัดแสดงตามแกลเลอรีชั้นนำทั่วโลก
สไตล์ของเขาโดดเด่นด้วยลายเส้นและลวดลายที่ซับซ้อน ซึ่งช่วยเพิ่มชีวิตชีวาให้กับสิ่งของธรรมดาๆ เขามักจะผสมผสานรูปทรงง่ายๆ เข้ากับสีสันสดใส สร้างสรรค์ผลงานที่สะดุดตาและเปี่ยมด้วยบุคลิกเฉพาะตัวMr Doodle ศิลปินระดับนานาชาติผู้มีชื่อเสียง จะร่วมมือกับ Melco Resorts & Entertainment และ Artelli จัดนิทรรศการศิลปะเดี่ยวครั้งแรกของเขาในมาเก๊า ภายใต้ชื่อ “Mr Doodle First Exhibition in Macao” ตั้งแต่วันที่ 1 สิงหาคม ถึง 15 ตุลาคม 2023 โดยนำเสนอผลงานศิลปะให้ผู้ชมได้สัมผัสทั่วพื้นที่ City of Dreams ผ่านหลากหลายรูปแบบ
นิทรรศการนี้ประกอบด้วยผลงานศิลปะขนาดใหญ่สุดพิเศษ ซึ่งเปิดตัวครั้งแรกของโลกและออกแบบมาเฉพาะสำหรับนิทรรศการนี้เท่านั้น ได้แก่ Doodle Showroom, Doodle Hall, Doodle Love Wall, Doodle Cube
- Cabane Éclatée (Exploded Cabin)
ตั้งแต่ปี 1975 เป็นต้นมา Daniel Buren ได้สร้างผลงานศิลปะโดยใช้รูปทรงลูกบาศก์เป็นแกนหลัก ผลงาน “กระท่อม/ห้องสี่เหลี่ยมที่ระเบิดออก” (Exploded Cabin/Hut) เป็นพื้นที่ขนาดเล็กในรูปทรงสามมิติ เปรียบเสมือนบ้านขนาดย่อม โดยมีองค์ประกอบต่างๆ เช่น หน้าต่างหรือประตู ที่เชื่อมโยงโดยตรงกับพื้นที่โดยรอบผ่านความโปร่งใสและสีสันของแผ่น Plexiglas แม้ดูเหมือนว่ากระท่อมนี้กำลังระเบิดออก แต่กลับผสมผสานเข้ากับสภาพแวดล้อมโดยรอบได้อย่างกลมกลืน ราวกับเป็นส่วนหนึ่งของสิ่งแวดล้อมที่มันตั้งอยู่ภายใน
เกี่ยวกับ Daniel Buren
Daniel Buren (ชาวฝรั่งเศส เกิดปี 1938) เป็นศิลปินแนวคอนเซ็ปชวล (Conceptual Artist) ชาวฝรั่งเศส ผู้มีชื่อเสียงจากการสร้างสรรค์งานศิลปะเฉพาะพื้นที่ (site-specific installation) ด้วยลวดลายเส้นแนวตั้งสลับสีอันเป็นเอกลักษณ์ ผลงานของเขาในช่วง 50 ปีที่ผ่านมาเต็มไปด้วยการแทรกแซงพื้นที่อันน่าจดจำ ข้อเขียนวิจารณ์เชิงโต้แย้ง โปรเจกต์ศิลปะสาธารณะที่กระตุ้นความคิด และความร่วมมือกับศิลปินหลากหลายรุ่น
ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 เขาได้พัฒนารูปแบบศิลปะแนวคิดสุดขั้ว ซึ่งเขาเรียกว่า “ระดับศูนย์ของจิตรกรรม” (degree zero of painting) โดยเน้นความเรียบง่ายขององค์ประกอบและความสัมพันธ์ระหว่างพื้นผิวรองรับกับตัวสื่อ ในปี 1965 เขาเริ่มใช้ลายเส้นแนวตั้งกว้าง 8.7 เซนติเมตร เป็นจุดเริ่มต้นของการวิจัยเรื่องศิลปะจิตรกรรม วิธีการนำเสนอ และสภาพแวดล้อมทางกายภาพและสังคมที่ศิลปินทำงานอยู่
ผลงานของ Buren ทุกรายการจะถูกสร้างขึ้นเฉพาะสถานที่ (in situ) โดยใช้พื้นที่จริงเป็นส่วนหนึ่งของงาน และมักเล่นกับการยืมใช้ ปรับแต่ง และเน้นย้ำพื้นที่เหล่านั้นในแง่มุมทางสังคมและกายภาพ ผลงานของเขาจึงเป็นเครื่องมือวิพากษ์ที่ชวนตั้งคำถามถึงวิธีที่เรามอง เห็น และใช้พื้นที่ ทั้งยังเป็นการเชื่อมโยงชีวิตเข้ากับศิลปะ และทำให้ศิลปะซึ่งดูเหมือนจะเป็นสิ่งโดดเดี่ยว กลับมาเชื่อมโยงกับชีวิตอีกครั้ง
Art of the City
SKY
การสำรวจความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนระหว่างการรับรู้และความเป็นจริง ชุดงานนี้ของศิลปินจากปักกิ่งสะท้อนการรับรู้ส่วนตัวของเขาผ่านความทรงจำเกี่ยวกับท้องฟ้า สีน้ำเงินของท้องฟ้าถูกแปรสภาพเป็นแนวคิดในจิตรกรรมของเขาที่ทั้งสวยงามอย่างน่าตกใจและเต็มไปด้วยเสน่ห์ที่ลึกลับ
เกี่ยวกับ Zhao Zhao
Zhao Zhao (ชาวจีน เกิดปี 1982) เป็นศิลปินคอนเซ็ปชวลชาวจีนที่กล้าหาญและมีความคิดสร้างสรรค์สูง ในผลงานจิตรกรรม ประติมากรรม และวิดีโอของเขา Zhao นำเสนอความเป็นจริงในจีน รวมถึงการบันทึกชีวิตของเขาเองและคนใกล้ชิด เขาสำเร็จการศึกษาระดับ BFA จาก Xinjiang Institute of Arts คณะจิตรกรรมสีน้ำมันในปี 2004 หลังจากจบการศึกษา Zhao ได้รับการชักชวนจากอาจารย์ให้ละทิ้งการวาดภาพสีน้ำมันและไปช่วยเขาทำโปรเจกต์เชิงคอนเซ็ปชวลและสารคดี
Zhao Zhao ค้นพบว่าการแสดง (performance) เป็นสื่อที่เหมาะสมที่สุดในการแสดงออกถึงความกังวลของเขา นอกจากจะสร้างงานศิลปะที่วิพากษ์สังคมแล้ว Zhao ยังเปลี่ยนเหตุการณ์สาธารณะให้กลายเป็นเรื่องส่วนตัวและปัจเจกบุคคล เขาใช้ศิลปะเพื่อมีปฏิสัมพันธ์กับผู้คนและกระตุ้นปฏิกิริยาตรงๆ ซึ่งทำให้เกิดการตระหนักรู้ในตัวเอง
ด้วยความเล่นสนุกและท้าทาย Zhao ตั้งคำถามต่อศิลปะในฐานะระบบที่มีอยู่แล้ว ซึ่งมีความหมายอย่างยิ่งในบริบทของตลาดศิลปะจีน ผลงานของเขามักได้รับแรงบันดาลใจจากความบังเอิญ อ้างอิงถึงประวัติศาสตร์ศิลปะ หรือเล่าเรื่องปรัชญาคลาสสิกที่สะท้อนเหตุการณ์ทางสังคมและการเมือง
ในปี 2008 Zhao จัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกที่ China Art Archives and Warehouse ซึ่งได้รับความสนใจอย่างมาก และเขาถูกเชิญให้เข้าร่วมงานแสดงกลุ่มในหลายๆ ครั้ง ครั้งที่สองของเขาคือในปี 2011 ที่ Alexander Ochs Gallery ในเบอร์ลิน ซึ่งมีผลงานสีน้ำมันหลายสิบชิ้นที่กระจายตัวอย่างอิสระ
9 Seas
เพื่อแสดงความเคารพต่อความละเอียดอ่อนของสีของมหาสมุทร Lehanneur เริ่มต้นจากการใช้ภาพถ่ายดาวเทียมความละเอียดสูงของจุดที่เลือกไว้ 9 จุดทั่วโลก เพื่อสร้างแผนที่สีของท้องทะเลและมหาสมุทรต่างๆ จากนั้นเขาได้นำสีที่ ได้มาแสดงออกผ่านเซรามิก
จากซ้ายไปขวาและจากบนลงล่าง: มหาสมุทรแปซิฟิกเหนือ (เอลซัลวาดอร์) ทะเลเพชอรา (รัสเซีย) มหาสมุทรอาร์กติก (แคนาดา) อ่าวเม็กซิโก (เม็กซิโก) ทะเลเหลือง (จีน) ทะเลสาบใหญ่ (สหรัฐอเมริกา-แคนาดา) ช่องแคบเดวิส (กรีนแลนด์) มหาสมุทรแอตแลนติก (สหรัฐอเมริกา) มหาสมุทรแอตแลนติก (บราซิล)
เกี่ยวกับ Mathieu Lehanneur
Mathieu Lehanneur (ชาวฝรั่งเศส เกิดปี 1974) เป็นนักออกแบบที่อยู่ในแนวหน้าของวงการออกแบบระดับนานาชาติ เขามีแนวทางในการสร้างสรรค์ที่หลากหลาย ผลงานของเขาไม่จำกัดอยู่แค่การออกแบบผลิตภัณฑ์และวัตถุ แต่ยังขยายไปถึงสถาปัตยกรรม งานฝีมือ และเทคโนโลยี การออกแบบของเขามีแรงบันดาลใจจากธรรมชาติแต่ยังผลักดันขอบเขตของการออกแบบผ่านการสำรวจเทคโนโลยีใหม่ๆ
Lehanneur ผสมผสานการออกแบบ วิทยาศาสตร์ เทคโนโลยี และศิลปะในการสร้างสรรค์โปรเจกต์ที่มุ่งหวังให้เกิดสวัสดิการสูงสุดสำหรับมนุษย์ อากาศ น้ำ แสง และเสียงเป็นวัสดุที่เขาชื่นชอบในการสร้างโปรเจกต์ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากวิทยาศาสตร์และมนุษยธรรม เขามองว่ามนุษย์เป็นโครงสร้างที่ซับซ้อนซึ่งต้องการมากกว่าการมีเก้าอี้ แต่ต้องการอากาศในการหายใจ อาหารที่ยั่งยืน สุขภาพที่ดี และความรักเพื่อการมีชีวิตที่ดีขึ้นLehanneur เกิดในปี 1974 และจบการศึกษาจาก École Nationale Supérieure de Création Industrielle ในปารีส ผลงานของเขาสามารถพบได้ในคอลเลกชันถาวรของ Museum of Modern Art ในมหานครนิวยอร์ก, San Francisco Museum of Modern Art, Centre Georges Pompidou ในปารีส, Les Arts Décoratifs ในปารีส, และ Design Museum Gent นอกจากนี้เขายังออกแบบภายในสำหรับ Saint-Hilaire Church ในเมือง Melle, Château Borély ในมาร์กเซย์, Hôpital des Diaconesses ในปารีส, และ Café ArtScience ในบอสตัน
Continuel Lumière au Plafond
การติดตั้งงานศิลปะที่สร้างประสบการณ์เชิงพื้นที่จากศิลปินผู้บุกเบิก Kinetic Art และ Op Art นี้ แสดงให้เห็นถึงความปรารถนาที่จะมีปฏิสัมพันธ์กับผู้ชม แถบกระจกสะท้อนแสงเพื่อสร้างการเคลื่อนไหวที่น่าสนใจของแสงและเงา ซึ่งนำไปสู่การคาดเดาอย่างไม่สิ้นสุดที่จำกัดเพียงแค่จินตนาการของผู้ชม
เกี่ยวกับ Julio Le Parc
Julio Le Parc (ชาวอาร์เจนตินา เกิดปี 1928) เป็นศิลปินชาวอาร์เจนตินาที่มีชื่อเสียงจากผลงาน Kinetic Art ที่เป็นผู้นำในด้านนี้ เขาวาดภาพที่สะท้อนถึงพื้นที่เขาวงกตโดยใช้ภาพลวงตาและพื้นผิวกระจกหลายมุมมอง โดยหลายผลงานของเขาก่อนจะมีการเคลื่อนไหวในศิลปะ Op Art ในงานสำคัญของเขา Lumière en Vibration (1968) Le Parc ฉายแสงผ่านแผ่น Plexiglass ในช่วงเวลาที่กำหนด สร้างพื้นที่ที่เหมือนกับปริซึมที่แสงกระพริบเป็นจังหวะเกิดเมื่อวันที่ 23 กันยายน 1928 ที่เมือง Mendoza, อาร์เจนตินา Le Parc เรียนที่โรงเรียนศิลปะในกรุงบัวโนสไอเรส ก่อนย้ายไปปารีสในปี 1958 โดยเขาได้ตอบสนองต่อแนวทางการแสดงออก ของศิลปิน Tachisme และ CoBra อย่าง Karel Appel และ Jean Dubuffet ด้วยการสร้างประสบการณ์ทางประสาทสัมผัสที่ควบคุมสำหรับผู้ชม
ในปี 1960 เขาได้นำการวิจัยของเขาไปสู่มิติสามมิติและเริ่มผสมผสานการเคลื่อนไหวและแสงเข้ากับผลงานของเขา จากนั้นเขาเริ่มใช้แสงที่สะท้อนหรือโปรเจกต์เคลื่อนไหว และแสงที่กระพริบ รวมถึงกระจกที่บิดเบือนต่างๆ ในปี 1966 เขาได้รับรางวัล Grand Prize in Painting จาก 33rd Venice Biennale ผลงานของเขาปัจจุบันสามารถพบได้ในคอลเลกชันของ Museum of Fine Arts ที่ฮูสตัน, Museum of Modern Art ในเมืองนิวยอร์ก, และ Tate Gallery ในลอนดอน เป็นต้น
Wild Pansy
ดึงดูดความสนใจจากดอกไม้และสัญลักษณ์ของมัน Othoniel สร้างดอกแพนซีขนาดยักษ์จากลูกปัด inox เส้นสายที่ไหลรินและพื้นผิวที่สะท้อนแสงสร้างบรรยากาศที่แฟนตาซีและทำให้ผู้ชมมีปฏิสัมพันธ์ที่เคลื่อนไหว งานนี้ยังเป็นการสดุดีต่อความงามของธรรมชาติและเสรีภาพในการคิด
เกี่ยวกับ Jean-Michel Othoniel
Jean-Michel Othoniel (ชาวฝรั่งเศส เกิดปี 1964) เป็นศิลปินร่วมสมัยที่ปัจจุบันอาศัยและทำงานอยู่ในปารีส ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1980 Jean-Michel Othoniel ได้สร้างสรรค์โลกที่หลากหลายตั้งแต่การวาดภาพไปจนถึงงานประติมากรรม การติดตั้ง ไปจนถึงการถ่ายภาพ การเขียน และการแสดง เขาเริ่มต้นสำรวจวัสดุที่มีคุณสมบัติสามารถกลับตัวได้ เช่น ซัลเฟอร์และขี้ผึ้ง และได้ทำงานในวัสดุแก้วตั้งแต่ปี 1993ลักษณะเฉพาะของงานศิลปะของ Jean-Michel Othoniel หมุนรอบแนวคิดของ อารมณ์เชิงเรขาคณิต โดยใช้การทำซ้ำขององค์ประกอบโมดูลาร์ เช่น อิฐหรือ ลูกปัด ซึ่งเป็นลวดลายที่เขามักใช้ในงานของเขา เขาสร้างประติมากรรมที่เหมือนเครื่องประดับที่สวยงาม ซึ่งความสัมพันธ์ของมันกับขนาดของมนุษย์มีตั้งแต่ความใกล้ชิดจนถึงความยิ่งใหญ่
เขามีความชอบในวัสดุที่สามารถกลับตัวได้และมีคุณสมบัติสะท้อนแสง โดยเฉพาะแก้วเป่าซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของการทำงานของเขาตั้งแต่ต้นทศวรรษ 1990 ซึ่งเกี่ยวข้องกับธรรมชาติที่มีความหมายที่คลุมเครือของงานศิลปะของเขา ขณะที่ความทุ่มเทของเขาต่อการสร้างสรรค์งานที่เหมาะสมกับสถานที่ในพื้นที่สาธารณะได้นำผลงานบางชิ้นของเขาไปในทิศทางทางสถาปัตยกรรมเกือบจะเป็นรูปเป็นร่าง Jean-Michel Othoniel ยังมีความสามารถในการใช้ความรู้สึกแบบองค์รวม หรือศิลปะการทำให้คนอยู่ร่วมกับ สภาพแวดล้อมของตนเอง ในกรณีของเขาคืองานศิลปะที่ทำให้ผู้ชมสามารถมีปฏิสัมพันธ์ กับโลกของเขาผ่านการสะท้อนแสงและการเคลื่อนไหว
Jean-Michel Othoniel ได้รับการเรียกร้องจากสถาปนิกสมัยใหม่หลายคน รวมถึง Peter Marino และ Jean Nouvel ให้สร้างงานศิลปะเฉพาะสถานที่ในสถานที่ประวัติศาสตร์
Untitled
ลวดลายดอกไม้ที่เป็นเอกลักษณ์ของ Takashi Murakami ในโมเสกแพลตตินัมถูกเติมเต็มบนผนังขนาด 20 เมตร สร้างความประทับใจที่โดดเด่นและท่วมท้นด้วยการทำซ้ำดอกไม้ที่เปล่งแสงอย่างไม่เป็นระเบียบ
เกี่ยวกับ Takashi MurakamiTakashi Murakami เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นที่ทำงานทั้งในด้านศิลปะสวยงาม (เช่น การวาดภาพและประติมากรรม) และสื่อเชิงพาณิชย์ (เช่น แฟชั่น, สินค้า, และแอนิเมชัน) และมีชื่อเสียงจากการลบเส้นแบ่งระหว่างศิลปะชั้นสูงและศิลปะทั่วไป ผลงานที่มีอิทธิพลของเขามักจะได้บแรงบันดาลใจจากลักษณะทางสุนทรียะของประเพณีศิลปะญี่ปุ่นและลักษณะของวัฒนธรรมญี่ปุ่นหลังสงคราม
The Crowning of Jean Michel Basquiatไดโนเสาร์ขนาดใหญ่สูง 7 เมตรนี้เป็นการแสดงออกที่สร้างสรรค์ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากหนึ่งในผลงานที่โดดเด่นที่สุดของ Basquiat จากปี 1984 คือ “Pez Dispenser” (หรือที่รู้จักกันในชื่อ “Dinosaur with Crown”) ลวดลายมงกุฎของ Basquiat ปรากฏอยู่บ่อยครั้งจนกลายเป็นสัญลักษณ์ที่มีชื่อเสียงในวงการวัฒนธรรมป๊อป ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นการแสดงถึงราชวงศ์ แต่ยังสะท้อนถึงความทะเยอทะยานอันยิ่งใหญ่ของเขา มันเป็นสัญลักษณ์ที่สะท้อนถึงความสามารถที่เก่งกาจและการก้าวขึ้นสู่ความรุ่งโรจน์ของเขาในฐานะศิลปินที่ประสบความสำเร็จและมีชื่อเสียงระดับสากลในศตวรรษที่ 20
Artelli Art Gallery
Artelli กำลังจัดแสดงคอลเล็กชันศิลปะที่หลากหลายจากศิลปินระดับนานาชาติในรูปแบบพื้นที่แนวคิด ท่านสามารถเดินชมได้ตามสบาย และทีมมัคคุเทศก์ของเราพร้อมให้บริการหากท่านมีคำถาม [10 นาทีเพื่อการเยี่ยมชม]
จุดหมายสุดท้ายของการเดินทางเพื่อการชมศิลปะนี้คือการแสดงศิลปะพิเศษ “Eternity Lotus” ที่จัดขึ้นโดย City of Dreams เพื่อเฉลิมฉลองครบรอบ 25 ปีของวันมอบคืนมาเก๊า โปรดติดตามเราและเตรียมตัวให้พร้อมสำหรับการเดินทางที่เต็มไปด้วยสีสันและความมีชีวิตชีวา
Eternity Lotus
เพื่อเฉลิมฉลองครบรอบ 75 ปีของการก่อตั้งสาธารณรัฐประชาชนจีนและครบรอบ 25 ปีของการจัดตั้งเขตปกครองพิเศษมาเก๊า ‘Eternal Lotus 25’ จัดแสดงด้วยความภาคภูมิใจโดย City of Dreams ได้รับการสนับสนุนจาก สำนักงานการท่องเที่ยวรัฐบาลมาเก๊า และ สำนักกิจการวัฒนธรรมรัฐบาลเขตปกครองพิเศษมาเก๊า โดยตอนนี้จัดแสดงที่ White Gallery ของ City of Dreams การเดินทางในงานศิลปะแบบดื่มด่ำนี้มีศูนย์กลางที่ดอกบัว ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของมาเก๊า โดยสัญญาว่าจะทำให้ผู้ชมสัมผัสได้ถึงประสบการณ์ที่สะท้อนอารมณ์และสร้างแรงบันดาลใจในการไตร่ตรองลึกซึ้ง นอกจากนี้ยังสะท้อนถึงเศรษฐกิจที่เฟื่องฟู ความสามัคคีทางสังคม ความมั่นคง และความเจริญรุ่งเรืองของมาเก๊า เราจะเริ่มจากโซน Awakening Buds ตามด้วย Blooming Dialogue Zone และ Seeds of Eternity Zone โปรดระมัดระวังในขณะที่เดินทาง
Eternal Lotus 25 | ‘Awakening Buds’ Zone
ชมดอกบัวจากมุมมองใหม่ที่ไม่เคยเห็นมาก่อน ค้นพบจุลินทรีย์ที่ซับซ้อนและบทบาทสำคัญของมันในระบบนิเวศ ซึ่งสะท้อนความเชื่อมโยงของเรากับธรรมชาติ ย่อส่วนตัวเองให้เล็กเท่ากับจุลินทรีย์และดื่มด่ำไปในโลกที่น่าหลงใหลของบึงดอกบัว ต้นบัวขนาดยักษ์ 19 ดอกที่ออกแบบและวิศวกรรมมาอย่างพิถีพิถัน พร้อมด้วยการใช้แสงและโปรเจกชันที่ทันสมัย พาคุณไปสู่ความลึกอันลึกลับของบึง น้ำตกหลากสีสันและเงาที่เกิดจากการเคลื่อนไหวของน้ำ จะช่วยเสริมประสบการณ์ที่น่าทึ่งเชิญชวนให้คุณสำรวจโลกใต้ผิวน้ำในรูปแบบที่สมจริงและดื่มด่ำ ที่ช่วยเบลอขอบเขตระหว่างความเป็นจริงและจินตนาการ
Eternal Lotus 25 | ‘Blooming Dialogue’ Zone
แสงแดดธรรมชาติและเงาของมันเล่นไปบนผิวน้ำของบึง ดอกบัวที่มีชีวิตชีวานำเสนอสีสันตามธรรมชาติของมัน สรรเสริญแก่นแท้ของดอกบัว ดอกบัวสามดอกที่งดงาม ถูกสร้างขึ้นด้วยวิศวกรรมและความแม่นยำทางกลอย่างเชี่ยวชาญ แสดงให้เห็นกระบวนการบานที่น่าหลงใหลในหลายรูปแบบที่น่าสนใจ ดอกบัวเหล่านี้ตอบสนองอย่างมีเอกลักษณ์ต่อการปรากฏตัวและการเคลื่อนไหวของผู้ชม สร้างประสบการณ์ที่เป็นการโต้ตอบและเชิญชวนให้คุณสำรวจอย่างลึกซึ้ง
การผสมผสานระหว่างศิลปะ, เทคโนโลยี และธรรมชาติในลักษณะนี้ทำให้ผู้ชมได้สัมผัสกับความมหัศจรรย์ของการเติบโตและการเปลี่ยนแปลงของดอกบัวได้อย่างใกล้ชิดและน่าประทับใจ
Eternal Lotus 25 | ‘Seeds of Eternity’ Zone
ประติมากรรมเคลื่อนไหวในรูปแบบ Möbius strip ที่น่าหลงใหลนี้ ประดับด้วยลูกปัดจำนวนมากที่สื่อถึงเมล็ดดอกบัว เป็นการถวายเกียรติให้กับจิตวิญญาณอันยาวนานของมาเก๊า วงวนที่ไม่มีที่สิ้นสุดนี้แสดงถึงวัฏจักรของการฟื้นฟูและการเติบโตอย่างไม่หยุดยั้ง รำลึกถึงการพัฒนาอย่างต่อเนื่องของมาเก๊าและอนาคตที่มีชีวิตชีวาของมัน เมล็ดดอกบัวเหล่านี้นำพาคำมั่นสัญญาของสิ่งที่ยังจะมาถึง เตือนให้เรารู้ว่าในทุกการสิ้นสุดนั้นซ่อนอยู่ในตัวเองซึ่งประกายแห่งศักยภาพในอนาคต
การแสดงศิลปะนี้เป็นสัญลักษณ์ของการเคลื่อนไหวอย่างไม่มีที่สิ้นสุดและการเติบโตที่ไม่มีวันหยุดของมาเก๊า